EINE ODE AN SELTENE SCHÖNHEIT
discoverHighlights
Der
Begriff
Der seltenheit
Ralph Gierhards Antique and Fine Art in Düsseldorf widmet sich der Suche nach seltenen und herausragenden Werken aus dem 16. bis zum frühen 20. Jahrhundert. Jedes Stück wird nicht nur aufgrund seiner Entstehungszeit ausgewählt, sondern auch aufgrund seiner Ausstrahlung, seines Zustands und seiner Relevanz innerhalb der sich wandelnden Sammlerkultur von heute.
KOLLEkTION
De
Begriff
Der Schönheit
In einer Zeit der unendlichen Bilderflut und des sofortigen Zugangs liegt der Wert wahrer Schönheit woanders. In der Beständigkeit, in der Präsenz und in den Objekten, die unsere Aufmerksamkeit auf sich ziehen. Ralph Gierhards Antique and Fine Art in Düsseldorf ist von diesem Verständnis geprägt. Als Kunsthändler in zweiter Generation konzentriert sich Ralph Gierhards auf Stücke, die nicht nur aufgrund ihrer Bedeutung ausgewählt werden, sondern auch aufgrund ihrer Fähigkeit, den menschlichen Blick zu fesseln und zu belohnen. Jedes erworbene Werk durchläuft einen sorgfältigen Prüfungsprozess hinsichtlich seines Zustands, seiner Provenienz und seiner Echtheit. Mit unserer langjährigen Expertise werden diese Aspekte sorgfältig überprüft und bei Bedarf fachkundig restauriert. Auf diese Weise wird Schönheit nicht nur bewahrt, sondern für einen neuen Kontext des Sammelns wiederbelebt.
Ownership is the most intimate relationship that one can have to objects.
Not that they come alive in him;
It is he who live in them.
Not that they come alive in him;
It is he who live in them.
Walter Benjamin
der
akt
des teilens
Zeitlose Kunst ist keine Selbstverständlichkeit. Sie ist schwer zu finden, komplex zu beurteilen und erfordert fundiertes Wissen und Sorgfalt. Dieser anspruchsvolle Prozess ist jedoch unerlässlich und lohnt sich, denn das Ergebnis ist einzigartig und zutiefst bereichernd. Ralph Gierhards ist ein überzeugter Verfechter der Bedeutung einer korrekten Bewertung sowie einer fundierten Wertschätzung dieser Werke. Aus diesem Grund teilt er sein Wissen und seine Ressourcen, um bei der Recherche, der fachkundigen Echtheitsprüfung und bei Leihgaben aus Museen zu unterstützen. Konkret erstreckt sich die Tätigkeit des Ralph Gierhards Kunsthandels in Düsseldorf auf die Vermittlung bedeutender Kunstwerke sowie die sorgfältige Koordination von Leihgaben aus Museen.
Die wechselvolle Geschichte des Kronleuchters
Zunächst lässt sich der klassische Kronleuchter als dekorative Deckenleuchte definieren, die aus mehreren Lampen oder Kerzenhaltern an verzweigten Armen besteht – meist ausgehend von einem zentralen Gestell oder einer hängenden Konstruktion. Das Wort selbst leitet sich vom französischen „chandelle“ (Kerze) ab und bewahrt so treffend den ursprünglichen Bezug des Kronleuchters zur Flamme. Lange bevor die Elektrizität seinen Zweck wandelte, diente der Kronleuchter als raffinierte Methode, um Kerzenlicht zu vervielfachen und in großen Innenräumen zu verteilen.
Polychrom bemalte Glaslaterne, Russland um 1820
Die Geschichte dahinter reicht jedoch weit zurück. Im alten Ägypten, in Griechenland und in der römischen Welt erhellten hängende Beleuchtungskörper aus Bronze, Ton und gelegentlich Glas Tempel, öffentliche Plätze und die Häuser Wohlhabender. In der byzantinischen Zeit entwickelten sich aufwendige Formen wie das Polykandelon – oft kreisförmige Metallkonstruktionen, die zahlreiche Öllampen trugen. Ihre leuchtende, schwebende Präsenz konnte eine geradezu mystische Atmosphäre schaffen, insbesondere in der sakralen Architektur. Was ursprünglich vor allem eine praktische Antwort auf die Dunkelheit war, gewann allmählich an symbolischer Bedeutung. Das Licht an sich stand für Göttlichkeit, Zeremoniell und Status, während die Fähigkeit, einen großen Raum zu erhellen, zunehmend mit Reichtum und Einfluss verknüpft wurde.
Betritt man einen prachtvollen Saal mit hohen Decken und einem eklektischen Ambiente, so erwartet man fast instinktiv, dass hoch oben ein Kronleuchter hängt, der den Raum erhellt und beherrscht. Nur wenige Dekorationsobjekte vermögen es, auf Anhieb eine Atmosphäre von Erhabenheit zu schaffen. Als hängende Objekte nehmen Kronleuchter eine besondere Stellung zwischen Architektur, Skulptur und funktionalem Design ein. Im Laufe von rund acht Jahrhunderten haben sie sich hinsichtlich Funktion, Bedeutung, Erscheinungsbild und Symbolik gewandelt und spiegeln dabei den Geschmack, die Technologien sowie die gesellschaftlichen Strukturen der Kulturen wider, aus denen sie hervorgegangen sind.
Bereits im Mittelalter waren hängende Beleuchtungskörper fester Bestandteil von Burgen, Kathedralen und großen Festsälen. Mittelalterliche Kronleuchter bestanden meist aus Eisen oder Holz; die Kerzen waren auf kreisförmigen Reifen, Kreuzen oder verzweigten Gestellen angebracht, die von der Decke herabhingen. Im Vergleich zu den prunkvollen Exemplaren späterer Jahrhunderte waren ihre Formen eher schlicht und robust. Dennoch besaßen sie bereits eine beeindruckende Wirkung: eine gewaltige Konstruktion, die über dem Raum schwebte und zahllose einzelne Flammen in eine gemeinsame Lichtquelle verwandelte. Selbst in ihrer rein funktionalen Ausführung strahlten diese Leuchter eine gewisse theatralische Präsenz aus.
Die Renaissance verlieh dieser Erscheinung eine deutlich künstlerisch anspruchsvollere Ausdrucksweise. Mit zunehmender Raffinesse der Handwerkskunst und der dekorativen Metallverarbeitung fertigten Schmiede und Metallarbeiter Kronleuchter mit kunstvolleren, verzweigten Strukturen, harmonischen Kompositionen und ornamentalen Details. Messing und Bronze traten neben Eisen als wichtige Materialien in Erscheinung, während die Faszination der Renaissance für das klassische Griechenland und Rom geschwungene Formen, ausgewogene Proportionen und architektonische Motive einführte. Der Kronleuchter war nicht länger nur ein Aufhänger für Kerzen; er wurde zu einem kunstvoll gestalteten Objekt, das es wert war, betrachtet zu werden. Dennoch wirkten die Beispiele der Renaissance vergleichsweise strukturiert und diszipliniert, insbesondere im Vergleich zu der bald darauf folgenden Pracht.
In der Barockzeit des 17. und frühen 18. Jahrhunderts entwickelten sich Kronleuchter zu wahrhaft spektakulären Objekten. Die prunkvollen Räume europäischer Schlösser und Adelspaläste verlangten nach Ausstattungsstücken, die mit reich verzierten Decken, Spiegeln, vergoldeten Oberflächen und monumentaler Architektur harmonieren konnten. Kronleuchter antworteten darauf mit mehrstöckigen Aufbauten, geschwungenen Armen, vergoldeter Bronze sowie immer aufwendigeren Arrangements aus Glas und Kristall. Ihre Leuchtkraft war keineswegs dem Zufall überlassen: Jeder einzelne Glasbehang und jedes Prisma fing das Kerzenlicht ein und streute es im Raum, wodurch die visuelle Wirkung der vergleichsweise schwachen Flammen vervielfacht wurde.
Das Rokoko lenkte diese Faszination für das Spektakuläre in eine leichtere, verspieltere und sinnlichere Richtung. Die vor allem mit dem Frankreich des 18. Jahrhunderts assoziierten Rokoko-Kronleuchter ersetzten die imposante Symmetrie des Barocks durch geschwungene Arme, florale Motive, Muschelformen, Blattwerk und asymmetrische Ornamente. Vergoldetes Metall schien sich organisch zu winden und zu wachsen, während herabhängende Kristalle für Bewegung und Funkeln sorgten. Das Leuchten wirkte fast wie ein lebendiges Wesen: teils Pflanze, teils Schmuckstück, teils Architektur. Dies ist bis heute eines der prägnantesten Erscheinungsbilder des Kronleuchters und erklärt, warum kristallbehangene, vom Rokoko inspirierte Formen nach wie vor unsere Vorstellung davon bestimmen, wie ein Kronleuchter aussehen sollte.
Wenn jedoch irgendein Jahrhundert zu Recht als das Jahrhundert des Kronleuchters bezeichnet werden kann, dann ist es das 18. Jahrhundert. Fortschritte in der Glasherstellung und im Kristallschliff wandelten sowohl sein Erscheinungsbild als auch seine kulturelle Bedeutung. Böhmische Werkstätten erlangten Ruhm für ihren stark lichtbrechenden Schliffkristall, während venezianische Meister auf Murano spektakuläre Kronleuchter aus geblasenem Glas schufen, die sich durch transparente Arme, Blüten, Blätter und farbige Verzierungen auszeichneten. Auch Frankreich, Großbritannien, Österreich und die deutschen Staaten entwickelten jeweils eigene, charakteristische Ausprägungen. Kronleuchter wurden in Palästen und wohlhabenden Wohnhäusern zu einem wesentlichen Ausdruck von Geschmack, wobei strategisch im Raum platzierte Spiegel das Licht zusätzlich vervielfachten.
Als das Rokoko im weiteren Verlauf des Jahrhunderts allmählich dem Klassizismus wich, wandelte sich auch das Design von Kronleuchtern. Die archäologische Begeisterung für das antike Griechenland und Rom förderte eine Rückbesinnung auf Ordnung, Symmetrie und klassische Zurückhaltung. Unter Ludwig XVI. in Frankreich wurden die unregelmäßigen Voluten des Rokokos durch Girlanden, Urnen, Lorbeerblätter, Schleifen und ausgewogene geometrische Strukturen ersetzt. Zu Beginn des 19. Jahrhunderts steigerten Kronleuchter im Empire-Stil diese klassische Formensprache zu noch größerer Monumentalität, wobei häufig vergoldete Bronze, Ketten und kaskadenartige Kristallkörbe zum Einsatz kamen, die vom kaiserlichen Rom inspiriert waren.
Prachtvoller französischer Empire Kristalllüster
Von Öllampen und Kerzen über Gas bis hin zur Elektrizität passte sich der Kronleuchter stetig an den technologischen Wandel an, ohne dabei seine symbolische Bedeutung einzubüßen. Zwar wandelte sich die Lichtquelle grundlegend, doch seine Position blieb unverändert: Über uns schwebend, bildete er den visuellen Mittelpunkt des Raumes und erhob das Licht zu einem zeremoniellen Ereignis.
Vielleicht haben Kronleuchter deshalb so lange überdauert – weit über den praktischen Nutzen hinaus, der einst zu ihrer Entstehung führte. Ob als antikes Meisterwerk aus Kristall, als Skulptur aus Muranoglas oder als experimentelle zeitgenössische Installation: Ein Kronleuchter leistet auch heute mehr, als nur Licht zu spenden. Er verleiht einem Raum Charakter und Präsenz. Er lenkt den Blick nach oben. Und nach Jahrhunderten ständiger Neuinterpretation macht er das Licht selbst weiterhin zu einem Bestandteil des Lichtdesigns und zu einem eigenständigen dekorativen Element.
Polychrom bemalte Glaslaterne, Russland um 1820Die Geschichte dahinter reicht jedoch weit zurück. Im alten Ägypten, in Griechenland und in der römischen Welt erhellten hängende Beleuchtungskörper aus Bronze, Ton und gelegentlich Glas Tempel, öffentliche Plätze und die Häuser Wohlhabender. In der byzantinischen Zeit entwickelten sich aufwendige Formen wie das Polykandelon – oft kreisförmige Metallkonstruktionen, die zahlreiche Öllampen trugen. Ihre leuchtende, schwebende Präsenz konnte eine geradezu mystische Atmosphäre schaffen, insbesondere in der sakralen Architektur. Was ursprünglich vor allem eine praktische Antwort auf die Dunkelheit war, gewann allmählich an symbolischer Bedeutung. Das Licht an sich stand für Göttlichkeit, Zeremoniell und Status, während die Fähigkeit, einen großen Raum zu erhellen, zunehmend mit Reichtum und Einfluss verknüpft wurde.
Betritt man einen prachtvollen Saal mit hohen Decken und einem eklektischen Ambiente, so erwartet man fast instinktiv, dass hoch oben ein Kronleuchter hängt, der den Raum erhellt und beherrscht. Nur wenige Dekorationsobjekte vermögen es, auf Anhieb eine Atmosphäre von Erhabenheit zu schaffen. Als hängende Objekte nehmen Kronleuchter eine besondere Stellung zwischen Architektur, Skulptur und funktionalem Design ein. Im Laufe von rund acht Jahrhunderten haben sie sich hinsichtlich Funktion, Bedeutung, Erscheinungsbild und Symbolik gewandelt und spiegeln dabei den Geschmack, die Technologien sowie die gesellschaftlichen Strukturen der Kulturen wider, aus denen sie hervorgegangen sind.
Kristalllüster, Deutschland 18. Jahrhundert
Bereits im Mittelalter waren hängende Beleuchtungskörper fester Bestandteil von Burgen, Kathedralen und großen Festsälen. Mittelalterliche Kronleuchter bestanden meist aus Eisen oder Holz; die Kerzen waren auf kreisförmigen Reifen, Kreuzen oder verzweigten Gestellen angebracht, die von der Decke herabhingen. Im Vergleich zu den prunkvollen Exemplaren späterer Jahrhunderte waren ihre Formen eher schlicht und robust. Dennoch besaßen sie bereits eine beeindruckende Wirkung: eine gewaltige Konstruktion, die über dem Raum schwebte und zahllose einzelne Flammen in eine gemeinsame Lichtquelle verwandelte. Selbst in ihrer rein funktionalen Ausführung strahlten diese Leuchter eine gewisse theatralische Präsenz aus.
Die Renaissance verlieh dieser Erscheinung eine deutlich künstlerisch anspruchsvollere Ausdrucksweise. Mit zunehmender Raffinesse der Handwerkskunst und der dekorativen Metallverarbeitung fertigten Schmiede und Metallarbeiter Kronleuchter mit kunstvolleren, verzweigten Strukturen, harmonischen Kompositionen und ornamentalen Details. Messing und Bronze traten neben Eisen als wichtige Materialien in Erscheinung, während die Faszination der Renaissance für das klassische Griechenland und Rom geschwungene Formen, ausgewogene Proportionen und architektonische Motive einführte. Der Kronleuchter war nicht länger nur ein Aufhänger für Kerzen; er wurde zu einem kunstvoll gestalteten Objekt, das es wert war, betrachtet zu werden. Dennoch wirkten die Beispiele der Renaissance vergleichsweise strukturiert und diszipliniert, insbesondere im Vergleich zu der bald darauf folgenden Pracht.
Prismendeckenlüster mit Bischofsmitra, Schweden Anfang 19. Jahrhundert
In der Barockzeit des 17. und frühen 18. Jahrhunderts entwickelten sich Kronleuchter zu wahrhaft spektakulären Objekten. Die prunkvollen Räume europäischer Schlösser und Adelspaläste verlangten nach Ausstattungsstücken, die mit reich verzierten Decken, Spiegeln, vergoldeten Oberflächen und monumentaler Architektur harmonieren konnten. Kronleuchter antworteten darauf mit mehrstöckigen Aufbauten, geschwungenen Armen, vergoldeter Bronze sowie immer aufwendigeren Arrangements aus Glas und Kristall. Ihre Leuchtkraft war keineswegs dem Zufall überlassen: Jeder einzelne Glasbehang und jedes Prisma fing das Kerzenlicht ein und streute es im Raum, wodurch die visuelle Wirkung der vergleichsweise schwachen Flammen vervielfacht wurde.
Das Rokoko lenkte diese Faszination für das Spektakuläre in eine leichtere, verspieltere und sinnlichere Richtung. Die vor allem mit dem Frankreich des 18. Jahrhunderts assoziierten Rokoko-Kronleuchter ersetzten die imposante Symmetrie des Barocks durch geschwungene Arme, florale Motive, Muschelformen, Blattwerk und asymmetrische Ornamente. Vergoldetes Metall schien sich organisch zu winden und zu wachsen, während herabhängende Kristalle für Bewegung und Funkeln sorgten. Das Leuchten wirkte fast wie ein lebendiges Wesen: teils Pflanze, teils Schmuckstück, teils Architektur. Dies ist bis heute eines der prägnantesten Erscheinungsbilder des Kronleuchters und erklärt, warum kristallbehangene, vom Rokoko inspirierte Formen nach wie vor unsere Vorstellung davon bestimmen, wie ein Kronleuchter aussehen sollte.
12-armiger Porzellanlüster, Bayeux 19. Jahrhundert
Wenn jedoch irgendein Jahrhundert zu Recht als das Jahrhundert des Kronleuchters bezeichnet werden kann, dann ist es das 18. Jahrhundert. Fortschritte in der Glasherstellung und im Kristallschliff wandelten sowohl sein Erscheinungsbild als auch seine kulturelle Bedeutung. Böhmische Werkstätten erlangten Ruhm für ihren stark lichtbrechenden Schliffkristall, während venezianische Meister auf Murano spektakuläre Kronleuchter aus geblasenem Glas schufen, die sich durch transparente Arme, Blüten, Blätter und farbige Verzierungen auszeichneten. Auch Frankreich, Großbritannien, Österreich und die deutschen Staaten entwickelten jeweils eigene, charakteristische Ausprägungen. Kronleuchter wurden in Palästen und wohlhabenden Wohnhäusern zu einem wesentlichen Ausdruck von Geschmack, wobei strategisch im Raum platzierte Spiegel das Licht zusätzlich vervielfachten.
Als das Rokoko im weiteren Verlauf des Jahrhunderts allmählich dem Klassizismus wich, wandelte sich auch das Design von Kronleuchtern. Die archäologische Begeisterung für das antike Griechenland und Rom förderte eine Rückbesinnung auf Ordnung, Symmetrie und klassische Zurückhaltung. Unter Ludwig XVI. in Frankreich wurden die unregelmäßigen Voluten des Rokokos durch Girlanden, Urnen, Lorbeerblätter, Schleifen und ausgewogene geometrische Strukturen ersetzt. Zu Beginn des 19. Jahrhunderts steigerten Kronleuchter im Empire-Stil diese klassische Formensprache zu noch größerer Monumentalität, wobei häufig vergoldete Bronze, Ketten und kaskadenartige Kristallkörbe zum Einsatz kamen, die vom kaiserlichen Rom inspiriert waren.
Prachtvoller französischer Empire KristalllüsterVon Öllampen und Kerzen über Gas bis hin zur Elektrizität passte sich der Kronleuchter stetig an den technologischen Wandel an, ohne dabei seine symbolische Bedeutung einzubüßen. Zwar wandelte sich die Lichtquelle grundlegend, doch seine Position blieb unverändert: Über uns schwebend, bildete er den visuellen Mittelpunkt des Raumes und erhob das Licht zu einem zeremoniellen Ereignis.
Vielleicht haben Kronleuchter deshalb so lange überdauert – weit über den praktischen Nutzen hinaus, der einst zu ihrer Entstehung führte. Ob als antikes Meisterwerk aus Kristall, als Skulptur aus Muranoglas oder als experimentelle zeitgenössische Installation: Ein Kronleuchter leistet auch heute mehr, als nur Licht zu spenden. Er verleiht einem Raum Charakter und Präsenz. Er lenkt den Blick nach oben. Und nach Jahrhunderten ständiger Neuinterpretation macht er das Licht selbst weiterhin zu einem Bestandteil des Lichtdesigns und zu einem eigenständigen dekorativen Element.
Russischer Baldachinlüster, Ende 18. Jahrhundert, Modell A. I. Schreiber
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